Patronizing the Arts

哈佛大学玛乔丽·嘉伯《赞助艺术》普林斯顿大学出版精装本；现货！非代购！非“海外库房”发货！

作者: Garber, Marjorie
出版社: Princeton University Press
出版时间: 2008

装帧: 精装
尺寸: 24 × 16.5 cm

作者: Garber, Marjorie
出版社: Princeton University Press

出版时间: 2008
装帧: 精装

尺寸: 24 × 16.5 cm

售价 199.00

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Marjorie曾经是耶鲁大学副教授，现在为哈佛大学教授,本人在会议上多次遇到她，非常有学问的学者：
http://english.fas.harvard.edu/faculty/garber/

商品描述：

“嘉伯就是那种博学通识的异类，她总能把稀松平常之事提升到形而上学的层次。在她的这本新书里，嘉伯运用绝伦的才情和天赋，向读者讲述了一个植根于我们日常生活的主题。游走在从高端文化到低端文化之间每一个最意想不到的角角落落，游刃有余地攫取不为人所知却恰到好处的例证，嘉伯证明了富有创造力的艺术赞助是多么地重要。”
——迈克尔•霍尔奎斯特，耶鲁大学荣休教授

“玛乔丽•嘉伯的笔触是高雅而直率的，这令她的文字熠熠生辉。《赞助艺术》可视为嘉伯写作风格的最典型代表。”
——大卫•达姆罗什，哥伦比亚大学

“嘉伯的书读来令人感喟。无论于艺术家、批评家、记者、学者，还是有着艺术头脑的读者来说，这都是一本引人入胜和睿智的书。”
——皮特•科恩，宾夕法尼亚大学

作者简介

玛乔丽•嘉伯（Marjorie B. Garber），美国哈佛大学资深教授，哈佛大学视觉与环境研究所所长兼哈佛大学卡朋特视觉艺术中心主任。出版有《意味深长的词语》（Loaded Words，福特汉姆大学出版社，2012年）、《学术的本能》（Academic Instincts，普林斯顿大学出版社，2009年）、《品读莎翁》（Shakespeare After All，普林斯顿大学出版社，2004年）等著作。

目录

前言
第一章关于赞助的悖论
第二章政府赞助
第三章艺术商业化之思考
第四章艺术还是科学
第五章作为赞助人的大学

序言

前言

在当今美国，人们对艺术事业的“赞助”是双重的。一方面，基金会、企业、大学和私人捐赠者通常会给予它资金支持。另一方面，这种居高临下的“施舍”也使得艺术事业备受轻视。在一些人看来，艺术事业成了娱乐消遣而非严肃的工作。这一点儿也不新奇。在过去数年中，这种状况也鲜有变化。
接下来，我想指出这两种“赞助”（patronizing）不只是有联系的，而且也是相互交织、难解难分的。艺术赞助体系导致艺术创作和表演的价值被低估了。同样有害的是，人们把“创造性艺术”与美学上的超凡脱俗结合在一起，不再依据传统的学术标准对其予以评价，这样一来，其价值又被高估了。
在我看来，这种高估和低估艺术价值的趋势既是无法阻挡的，也是辩证的。就其本身来说，这还构不成一个问题，因为人们必然会解决、也能够解决它。由此倒不如说，这是当今艺术的处境，导致这种处境的原因在于，与艺术事业（不论是绘画、诗歌、戏剧，还是建筑设计）联系在一起的，不是进步、理性、逻辑和造福社会的初衷，而是占有、物质、品味和欲望。但不管艺术是否在神秘、世俗、文化或伦理的意义上“让世界变得更好”抑或“让我们变成更好的人”，艺术作品和艺术家都成为了市场经济和利比多经济（libidinal economy）的一部分。这两个领域之间的关系又构成了赞助（patronage）问题以及具有两种含义的赞助（patronizing）问题的核心。
就艺术价值的低估而言，我是指艺术成了附带的娱乐消遣活动，成了为经济、政治、医学、物理学或商业活动等所谓的实实在在的辛苦工作提供调剂的东西。这样一来，每当学校预算不够时，首先砍掉的就是艺术课或音乐课，没有谁想过要取消自然科学或历史课。在这些事例中，艺术因被当做对“现实世界”没有价值的东西而饱受轻视。另一方面，在评价艺术和艺术品价值时，高估的态度也引发了另外一个难题。一些人认为，这超出了平常经验的范围，艺术工作（包括艺术品和艺术创作过程）由于太高贵而无法进行一般的估价和评价——用他们的话说就是：艺术是“无价的”。
这种态度似乎与弗洛伊德所描述的“情人眼里出西施”的情形颇为类似，他认为这是陷入爱恋之境的典型特征。他写道，“说到被爱这一问题，对异性的高估总是令我们印象深刻。事实上，被爱的对象在某种程度上不会受到指责。与没有人爱的人相比，他的个性特点得到了高估。”在这里，弗洛伊德所谓的“对象”是一个“被爱的对象”，而不是一个“物件”，不过我认为情感倾向是一样的。我们不妨做个比较：幽默作家吉利特•伯吉斯（Gelett Burgess）有句名言说的是“我对艺术一无所知，但我知道我喜欢什么”，而大法官波特•斯图尔特（Potter Stewart）在谈到赤裸的色情文学时曾说“我一看到它就了解它了”，显然，这两种说法异曲同工。
我们将会发现，当我们对艺术和科学进行类比并探讨两者对于现代文明中的艺术价值所暗含的意义时，那些认为艺术与爱在词源学和现实生活的意义上与业余爱好（amateur）相关的观点，就对以艺术为业的理念造成了不利影响。自浪漫主义时期以来，在某些地区留传和发展着一个观念：做艺术家是件苦差事，包括经济困窘在内的痛苦是检验真正的艺术家及其职业使命感的试验场。受此信念影响，有人声称如果艺术家不吃苦，没有通过竞争而取得成功，他们的艺术就会有所贬值，再给他们提供资助实际上就是在降低艺术水准。所以尽管我们的文化珍视博物馆、艺术收藏、专业剧院和芭蕾舞团，人们还是在一定程度上反对把艺术创作看成一项工作，反对在学院或大学开设这门专业。
一项由城市研究所（the Urban Institute）进行的调查援引统计数据指出存在一种所谓“美国悖论”，即，尽管96%的美国人说艺术令他们“深受启发”，在生活中也“高度重视”艺术，但只有27%的人“认为艺术家对社会的改良做出了‘重大’贡献。”值得注意的是，这种“美国悖论”与两个方面的因素有关。如果人们不把当代艺术看成一项“事业”，不把艺术创作看成一种“工作”，然而（也许应该说，那么）那些由赞助人、收藏家、策展人和评论家鉴定为艺术的东西就成了欲望和估价的对象。批评家发明出许多超凡脱俗的华丽辞藻来评论目前的这些东西，说它们是“伟大的”、“普世的”和“不朽的”。这些术语的反义词——如果它们有反义词的话——则被用来描述某时某地在某种生产和消费条件下进行的艺术工作，也就是艺术工作的物质性（materiality）。把艺术看成超凡脱俗的东西，意味着艺术与实验、操作、排练、改写、出错、纠正和重建等等无关，也就是说，艺术与学术、科学、商业等等活动无关。人们在把艺术看成“出世之物”的同时，也忽视了艺术创作那些世俗的方面。
然而，对艺术家的训练和赞助是一项认真、耗时的事业，通常情况下还需要一笔不菲的花销，因为这项事业涉及到空间、材料、设备和人员，而这些往往都可以归入“资源”这个禁忌之词的麾下。不过，对今天的艺术家或者任何一个群体来说，如果谁还对艺术抱持着严肃的信念，那么他们就不仅要知道各种艺术活动（演播、电影、视频、摄影、装置、音乐、舞蹈、表演、戏剧）之间是彼此交织的，而且也要了解艺术的供应环节，更准确地说，如何提供空间和材料（比如工作室、舞蹈教室、演出或装置的场地）等重要资源。

即使是在今天，当企业、风险投资者、政府机关和艺术爱好者竞相资助艺术时，当宣传、恭维和名利成为艺术市场的常客时，还是难保赞助人和被赞助人之间不会互相蔑视，不会高估或低估彼此的价值。但我要证明的是，这种蔑视虽不可避免，然而最终却是有益的。这是一个起点，是通过激烈争辩从而取得丰硕成果的竞技场，是一个检验各种各样的分析研究、观察评论乃至文化活动（不管这里的活动是以访谈、装置、展览还是学术论文的方式呈现）到底出了什么错的机会。
将被我称做“视觉知识分子”的那些人以及在表演、音乐和其他新兴艺术领域的相关艺术家的出现适时地提供了一个橱窗，从而展示了从学术界到公众生活的各个交汇点皆存在的艺术创作的严肃性和普遍性。艺术场馆、大学、策展人和公私部门中各位感兴趣的捐赠者都应当把这一时刻看做机遇和挑战。在公众文化领域、学生之间以及商界和名流中，如果在获得巨大利益的同时，人们能够认识到艺术和艺术创作对于复杂的社会文明教化所发挥的中心作用，那他们就会有很强的动力合作起来利用这一结点了。有献身精神、知识渊博的各方会把这些元素结合起来，创作出单凭一己之力无法完成的艺术工程和作品。
如果人们的目标在于为各个层面的艺术活动设计并实现一种不带施舍意味的赞助模式，那么艺术家在与其赞助人打交道的过程中就必须拥有发言和评论的机会，不管赞助人是资金提供者、基金管理人、展览出资方、剧院经理、艺术收藏家、观众、雇主、同行还是粉丝。因为我们需要理解赞助人和艺术家、生产和消费、艺术和科学、卓越性和实用性、理论和实践之间的互动是如何成为文化对话的一部分的，其中的每一方又是如何补充、打断和挑战另一方的。
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