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日本的花鸟画 5

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国内现货 小4开精装 大型本 二重函付

  • 作者: 
  • 出版社:    京都書院
  • 出版时间: 
  • 印刷时间:    1990
  • 装帧:    精装
  • 尺寸:    45 × 34 cm
  • 纸张:    铜版纸
  • 页数:    281页
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售价 700.00

品相 八五品

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    • 商品分类:
      外文古旧书 > 日文书 > 艺术
      商品描述:
      在这卷中,几乎都是处理昭和四十年代以后的作品。战争结束后,时代正好进入了高度发展期,已经薄弱了战后二十年,迅速进行着世代更替。其中不乏已经去世的人,也有一些从前一辈继续活跃的人,但他们并不都适合称为花鸟画家,但也不必故意这样称呼,因为大部分日本画家都在画花和鸟。总体来说,战后,日本画家也相对受到抽象主义和现代艺术的影响,花鸟与传统意义上的讨论相对独立,虽然在传统意义上讲有一定的抵抗,但为了将这套全集作为未来的布局,将其收录为当代编。

      首先,抵抗被称为花鸟画的最大原因在于他们造形意识或装饰意识的改变。正如第三卷 "花鸟画•大正至昭和" 中所述,技巧主导和花鸟画也必须包含山水画这样的观照态度对他们来说完全不存在。相反,可以说是在昭和初期产生的感觉主义基础上,又结合了新的西方倾向,发展出了战后的花鸟画。就像前一代在传统和现代之间呻吟一样,现代画家也在传统、现代和自我之间的三角关系中苦心探索。伊藤深水曾批评现在年轻画家从背景开始着色,但现在美好的余白已经远去。而且线条美几乎是找不到的。旧时的说法是,这在技法上似乎是沿着横山大观等人追求的没骨主彩画的延续。没骨原本指的是在骨描(使用骨法进行线条勾勒)下消失的形状,它意味着在底层隐藏着利刃的锋利,但现代大部分作品都没有骨头。尽管仍然使用传统颜料,如矿物颜料,但在色彩感和造型感上更加强调,正是在绘画的领域内展开的。常常被说到的是,除了油和油画颜料、胶和岩画颜料之间的差异,即材料的差异,油画和日本画之间似乎不存在什么了。然而,日本画已经逐渐走出写实主义和技巧主义的死胡同,扩大了表达的可能性,并达到了现在的阶段。总之,广泛应用色彩到整个画面的趋势,就像患有空间恐惧症一样,是战后的一个巨大变化。从这个意义上说,桑原住雄所说的下面的指摘是相当准确的。

      "先人们只是感性地或观念上使用了无限制空间的美点,而第三代(前述战后活跃的一代)则转变为通过分析、分解并重新构建的认知方法。这是基本正确的。可以看出,东山魁夷、杉山宁的作品特别突出这一倾向。魁夷构建了空间,使观看绘画的人可以进入画中,而宁则严格拒绝了人们进入画中的空间。山本丘人的空间与魁夷相似,但魁夷的空间与现实空间相连贯,而丘人的空间则与现实空间切割开来。... 高山辰雄引起了许多人的兴趣,是因为他正在探索非日常世界。在这个意义上,他与丘人没有什么不同,但辰雄与丘人的不同之处在于,丘人试图超越世界,而辰雄则将自己深深嵌入自己的内心。"(《三彩》第300期,昭和40年)

      这段文字涵盖了所有画风,而不仅仅是花鸟画,但山本、杉山、东山、高山这几位与山有关的画家的特点确实非常精准。在日展中,与杉山、东山、高山同属的还有川本末雄,他的作品更接近丘人那种超现实主义,给人一种窥视另一个世界净土的感觉。丘人所属的创画会大部分都是超现实主义和梦幻世界的创作者,其中近藤弘明、工藤甲人则以最先锋的方式表现,但上村松篁也有物质感,但空间氛围与现实并不连续,而是伴随上升气流的高贵。虽然不是花鸟画家,但属于这个团体的池田幹雄持续歌颂童话,非常珍贵,加山又造画出了非现实的精灵般的裸体女子,石本正的舞妓裸体虽然一开始看似真实,但其摆放位置和空间是非日常和迷人的。又造在丝网印刷中遁入地下,而正则在寥寥余白中暗示物象。前者展示了内心深处的心象世界,后者充满了能量,似乎要跳出画面。同属该团体且绘制花鸟画的还有堀文子、稗田一穂、西村昭二郎、竹山博、高桥周桑、平川敏夫和上原卓等,他们发挥了多种多样的才华,但对于随后出生的昭和以后的新人来说,各个组织都相对人才匮乏。

      岡倉天心曾经说过:"以前的日本画从来没有重视写实"。现在可能仍然如此。以花鸟风月或四季风光变化为主题的日本画,由于岩画的媒介表达上的局限性,常常被装饰性所侵入。为了不成为图案意味的设计,为了自然从自然中离开,以显示出自然的样子。在此,日本画正面临着问题和限度。

      为了解决问题并突破限制,最终似乎只能依赖于静物写生。图像并不是从无到有诞生的,而是从多重视角出发产生的。山口华杨在画动物时用粘土制作,这是为了更好地捕捉实际空间。这里涉及与对象亲近的技巧。横山大观也是如此,他去年末从旧房子的仓库中发现了大量素描,不过更适合形容它们的是重复和反复的底图,通过它们,他从多个角度提升了形象,重复尝试并不断创新,最后达到了顶点。他的努力让人非常钦佩。京都的艺术氛围不像东京那样排斥自然,甚至还有父子花鸟画家,比如上村松篁和淳之。虽然在现代意义上,这似乎有些奇迹般的存在,但飯島勇认为,上村家虽然被认为是近代日本画的名门,但无论是松篁还是淳之,他们都是因为喜欢画而成为画家的,没有受到家系和画系的束缚。

      然而,在松篁和淳之的情况中,即使不像松圆那样出生在画家之家,也不知道他们是否会成为画家,即使他们再喜欢画。逆推一下,这两个人似乎都处于成为画家的命运下。不过,在淳之的情况下,他好像没有像松篁那么顺利地进入这个领域。

      接下来考虑松篁和淳之的艺术表现方式时,松篁以花鸟画家的身份独立开来,与美人画家母亲不同,因此在心态问题上,他似乎不需要特别意识到母亲的作品,但选择与父亲一样成为花鸟画家的淳之,则似乎时刻意识到父亲的作品。正因为如此,淳之似乎面临着一个困难的问题,即如何克服已经达到高峰的父亲松篁的作品并从中吸取珍贵的营养,同时发掘独特的画境。"

      我真的认为这是正确的,但需要注意的是,松篁和淳之无论是对鸟类还是其他动物都有着极强的兴趣。今天,在奈良平城的丘陵上,已经有500多平方米的禽舍,养了250多种700多只鸟。淳之甚至说:“如果我没有涉足绘画,我一定会成为一名鸟饲养员。”每天都是如此。很明显,通过这样日常的观察,头脑中已经有了写生的图像。如果说写生不仅限于图像,因为艺术更高于写生,那么花鸟画的复杂性也需要将剑从土中的写生挥洒出来,重新巨览自然。最近,特别是小巧精致的观赏画增多了。如果这种趋势是源于感觉主义和简单的没骨色彩绘画的话,那么画坛的前途必然会变得越发狭窄。

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